Le projet d’art public de la Fierté dans la Capitale, une première cette année, rassemble six artistes et designers. Chaque projet représente le thème « Ensemble maintenant » ou la mission générale de la Fierté dans la Capitale, à savoir de créer des opportunités pour célébrer, revendiquer, éduquer et unir les personnes dans le respect de la pleine diversité de la communauté 2SLGBTQ+.
Horizon after Syed Mainul Hossain
Farah Khan & House9
Confederation Park
Réinterprétée par Farah Khan et l’équipe de House9, un studio de graphisme situé à Montréal, cette œuvre rend hommage au Monument commémoratif des martyrs du Bangladesh. Le monument original, conçu par Syed Mainul Hossain, rend hommage aux personnes qui ont perdu la vie durant la guerre de libération du Bangladesh en 1971. House9 a adapté le concept original en augmentant le nombre de murs triangulaires (de 7 à 11) et en peinturant chaque mur dans l’une des couleurs du drapeau progressif de la Fierté. Farah est une femme queer du Bangladesh à la recherche d’une connaissance et d’une représentation accrue du legs artistique du Bengale. Tout en attirant l’attention sur les contributions de son pays dans le domaine de l’architecture et du design, elle vise à reconnaître toutes les personnes qui ont lutté pour la libération LGBTQIA+ partout dans le monde par la résistance, la résilience, l’alliance inclusive et la célébration, et ce souvent dans des situations dangereusement et apparemment impossibles.
Dédiée à la communauté hijra du Bangladesh
À PROPOS DE L’ARTISTE
House9 est un studio de graphisme collaboratif fondé en 2005 par Farah Khan, femme queer et immigrante du Bangladesh. En collaboration avec des artistes, des chercheur·euses, des organisations sans but lucratif et des institutions culturelles de la région et du monde entier, nous créons des projets dynamiques dans toutes les domaines de la conception graphique et interactive. Notre travail expérimental, motivé principalement par les enjeux et conçu au service de causes humanitaires et de la créativité, est ancré dans l’équité, la justice sociale, l’esthétique contemporaine et une éthique du travail rigoureuse. Notre priorité est de créer des relations empreintes de gentillesse, d’empathie et de vison avec notre clientèle. Le studio comptant neuf personnes a toujours été inclusif : six personnes sont queer, et trois sont BIPOC. Quatre d’entre nous sont des hommes, trois sont des femmes et deux sont non binaires. Nous sommes situé à Montréal.
We Demand, Disco Chandelier
Don Kwan
Ottawa City Hall
Cette sculpture renvoie à l’importance de la boule disco et du chandelier en tant que symboles de la culture queer et agit à la fois comme un album célébrant les moments de force et de résistance dans l’histoire de la communauté queer au Canada.
Kwan utilise l’importance de ces objets, du chandelier et de la boule disco pour raconter l’histoire queer du Canada en soulignant la première manifestation queer à Ottawa. Le rassemblement We Demand était la première manifestation à grande échelle pour la défense des droits des personnes homosexuelles au Canada. Le rassemblement a eu lieu le 28 août 1971, à Ottawa. Kwan est né l’année suivante.
We Demand, Disco Chandelier est une collision de vestiges qui unient les expériences et l’histoire des personnes LGBTQ2S+ et BIPOC.
À PROPOS DE L’ARTISTE
Canadien d’origine chinoise, immigrant de troisième génération et artiste visuel queer résidant à Ottawa, Don Kwan s’inspire de ses expériences et de ses défis en tant qu’artiste gai originaire de l’Asie orientale pour inciter des conversations élargies sur l’identité, la représentation et la mémoire intergénérationnelle dans la diaspora.
Bâtisseur de communauté et récemment récipiendaire du Prix pour les artistes à mi-carrière du Conseil des arts d’Ottawa en 2022, Kwan est un membre actif de la communauté artistique.
Son leadership dans l’entreprise familiale intergénérationnelle, le restaurant Shanghai, a inspiré des événements pivots, comme les soirées de cinéma Divergence, Shanghai Beats, Festiv Asia, le marché artisanal de Chinatown et d’autres événements communautaires. Il est notamment la force derrière le festival artistique Chinatown Remixed de 2008 à 2022 et les visites guidées de Chinatown.
Kwan dessine régulièrement des formes et des objets communs avec une puissante symbolique. Il les revoit de façon provocative et ludique pour en faire des concepts complexes et nuancés dans un cadre d’interprétation ouvert qui suscite à la fois la familiarité et la surprise.
En examinant et en abordant l’histoire de sa famille sur plus d’un siècle au Canada, Kwan se penche sur la question suivante : À quoi ressemble l’appartenance au paysage canadien?
Medicine Cabinet
Mike Steinhauer
Sparks Street
Medicine Cabinet rend hommage à une génération de personnes queer qui ont lutté pour les droits et les occasions accordés à un grand nombre d’entre nous aujourd’hui. Le mur et l’évier carrelés renvoient à une salle de bain qu’on pouvait trouver à New York dans les années 1980, alors que la ville était l’épicentre de l’épidémie de sida. Dans la corbeille en mailles métalliques, il y a des contenants d’antirétroviraux et de PrEP, une prophylaxie pré-exposition servant de nos jours à réduire le risque d’une infection par VIH.
Les contenants à capsule bleue renvoient à l’AZT, le premier médicament utilisé pour traiter les personnes vivant avec le VIH et retarder l’apparition du sida. Contrairement aux médicaments prescrits aujourd’hui, l’AZT avait des effets secondaires importants et était très toxique. Bien que l’AZT à l’époque et la PrEP aujourd’hui constituent des progrès importants, l’accès inéquitable demeure.
Nous vous invitons à contribuer à l’œuvre, à y ajouter vos propres contenants vides ou à simplement vous asseoir sur un banc pour prendre une pause et réfléchir. Les contenants recueillis seront réutilisés dans le cadre d’une future exposition.
À PROPOS DE L’ARTISTE
Mike Steinhauer est un photographe, artiste conceptuel et rédacteur à la pige résidant à Ottawa. Il possède une maîtrise ès arts de l’Université Carleton et un baccalauréat ès arts en histoire de l’art et de la culture visuelle de l’Université de l’Alberta.
Les œuvres de Mike ont été présentées dans un certain nombre d’expositions. Plus récemment, il a fait partie de Reality Vanishing In Plain Sight, une exposition organisée par la Propeller Art Gallery, à Toronto. Son installation, The illusion of choice, a été exposées à la Union Gallery de l’Université Queen’s, à Kingston. Ses photographies ont également figuré dans un certain nombre de publications, y compris Interview d’Al-Tiba9 Contemporary Art et la page couverture du magazine HAS, projet dirigé par l’UNESCO et Mémoire de l’Avenir. Né au Luxembourg, Mike vit maintenant ici avec son partenaire, à Ottawa.
Tough Love
Nicolo Gentile
Sparks Street
Dans l’oeuvre de Nicolo Gentile intitulée Tough Love, le rideau de chaînes à bille, symbole de la drague en public et des sex clubs, est réimaginé en tant que seuil expérimental de l’imagination, du radicalisme et des archives queers. Un club queer et une image kink sont fragmentés, poreux et non fixés sur la surface du rideau. Temporairement animée par le mouvement du public qui le traverse, cette oeuvre explore un volet radical et tendu de l’histoire queer à la fois radicale. Elle agit comme un acte de souvenir et un geste de célébration, d’exégèse et de deuil collectifs.
Qu’a-t-on oublié sur la route de l’assimilation? Comment les manœuvres de résistance du passé peuvent-elles aborder des enjeux actuels d’aliénation et de complaisance politique? Quelles sont les capacités du plaisir et de l’extase? Quel potentiel réside dans la tension entre le passé et l’avenir?
À PROPOS DE L’ARTISTE
Nicolo Gentile est un artiste et pédagogue qui réside et travaille à Philadelphie, en Pennsylvanie. Fabriquées à partir de cuir, de latex, de fer et de métal, ses sculptures et ses installations passent d’objets reconnaissables des domaines du kink, de l’industrie et des sports pour refléter la marchandisation de l’esthétique queer et les dynamiques de pouvoir oscillantes du genre, de la race blanche et de la masculinité.
Il a obtenu une maîtrise en beaux-arts dans le programme de sculpture de l’École des arts et de l’architecture Tyler de l’Université Temple. Ses œuvres ont été exposées aux États-Unis et à l’étranger à Philadelphie, à New York, à Portland, à Los Angeles, à Paris, à Melbourne et aujourd’hui à Ottawa.
union
Melissa Palermo
Snyder Plaza (Bank St & Slater St)
union est une installation vidéo sur la convergence des mouvements.
Que ce soit en luttant contre la discrimination au travail ou en remportant la lutte du mariage pour tous, la solidarité est un élément clé de la lutte pour les droits des personnes 2SLGBTQ+. Les mouvements syndicalistes ont été d’importants partenaires dans ces combats pour la justice.
Au moyen de documents d’archives, union offre un aperçu des coalitions entre les mouvements 2SLGBTQ+ et syndicaux. Ces moments comprennent des manifestations pour la sécurité d’emploi pour le prolétariat homosxuel, la lutte pour la reconnaissance des conjoint·es de même sexe, et Lesbians and Gays Support the Miners, un groupe britannique ayant appuyé le syndicat national du personnel minier pendant une grève ayant duré un an, de 1984 à 1985.
Ces moments sont présentés sous la forme de fenêtres. Il s’agit d’une invitation à prendre en considération la création de coalitions et les points en commun dans la lutte pour la justice.
À PROPOS DE L’ARTISTE
Melissa Palermo (elle) est une artiste et conceptrice queer résidant à Toronto et travaillant dans le mouvement syndicale. Elle a recours aux médias numériques dans son art afin de visualiser les histoires et les expériences. Elle croit que le lien entre la vie personnelle et la politique est un élément intégral de l’autonomisation des mouvements et de l’obtention de l’appui populaire.
Melissa croit que la créativité est une partie essentielle de la création d’un monde meilleur et plus juste. Dans ses œuvres, elle trouve des façons imaginatives de lier les expériences personnelles et des enjeux sociaux élargis, car elle croit que nous devons nous sentir représenté·es dans un monde plus juste afin de le créer.
Points de vue (en cinq couleurs)
Jennifer LeFort
150 Elgin St
Cette sculpture abstraite est une réflexion sur la façon dont la perception peut être alternée au moyen d’un simple changement de perspective. La structure est composée de plusieurs pièces individuelles unies par une couleur commune. Chaque pièce est unique, mais se fond facilement au groupe pour former un tout dense, mais à la fois expressif. Nous vous invitons à regarder à travers les cercles de couleur et dans les formes reflétées de l’oeuvre. Dans quelle mesure les choses sont-elles différentes en rose, en orange ou en bleu? Que ressentez-vous en voyant votre reflet et celui des autres dans la sculpture? En quelques secondes, en un seul regard ou en quelques pas à gauche ou à droite, vous avez une nouvelle expérience. En gardant les yeux ouverts, ce changement de perspectives est omniprésent.
À PROPOS DE L’ARTISTE
Jennifer Lefort est née à Montréal et habite aujourd’hui à Gatineau, au Québec.
Son approche en matière d’abstraction invite le public à développer son sens de l’imagination en observant des combinaisons de couleurs et de gestes dans lesquels la réinvention et l’ouverture sont des éléments fondamentaux. L’artiste a fait partie de la liste de personnes présélectionnées pour le Prix en art actuel du Musée national des beaux-arts du Québec en 2018. En 2016, elle a reçu le Prix Oeuvre de l’année en Outaouais du CALQ. En 2016, elle a également été invitée à faire une résidence à Los Angeles avec le soutien du Conseil du Canada. En tant que parent, tante et amie à un grand nombre de personnes dans la communauté, l’artiste s’est sentie profondément touchée d’avoir l’occasion de partager une oeuvre dans le cadre du Festival de la Fierté dans la Capitale cette année.
Capital Pride would like to recognize the following partners who have supported this project: City of Ottawa, National Capital Commission, Sparks Street BIA, Bank Street BIA and Morguard.
Project Managers: Junia Jorgji & Whitney Gattesco
Videographer: Dylan Holton, Capital Content
Infrastructure: Optimal Show Experience & ANEX Works
